Уголок коллекционера

Ivory - Keen City (1997)

Второй альбом немецкой группы Ivory намного менее известен, чем первый. Я изначально подходил к нему с осторожностью: времена тогда были нелегкие, прогрессивный рок в полном упадке, а их главному клавишнику Ульриху Зоммерлатте уже стукнуло аж 86 лет. Записан данный альбом был на местном немецком лейбле Ipso Facto Music и доставаем не так легко, как первая работа. Тем не менее данная пластинка неожиданно понравилась. Внезапно ушла абсолютно запредельная опора на вокал: большую часть времени занимают терзания синтезаторов в различных пропорциях, приближая диск к прогрессивной электронике в комбинации с нестыдным неопрогом. Синтезаторы, кстати, по меркам 90-х звучат пристойно, без фанфарообразных призвуков и достаточно аутентично. Барабаны не всегда сопровождают их. Основной англоязычный вокалист Кристиан Майер появляется лишь на одном номере, а во второй части пластинки неожиданно начинает петь на немецком девушка, иногда при поддержке хора, что, например, на вещи Simple Melody с ее вокальными наскоками в минорной тональности создает потрясающе тягучий эффект. Неопроговые коннотации, конечно, также присутствуют из-за обилия синтезаторов, однако вокальное присутствие здесь сравнительно невелико, поэтому альбом слушается самобытно даже по меркам 90-х и иногда даже интереснее дебютника. Однозначно рекомендую - весьма оригинальный альбом из 90-х. Recommended!

Немного странно помещать релиз более чем 30-летней давности в раздел "Современные группы", но такова уж структура этого форума...

various artists (1991) Lost Years In Labyrinth. Очень интересная подборка японского прог-рока, изданная небезызвестным лейблом Belle Antique, причем собранная из таких его субжанров, как кентербери, авант-прог, RIO и т.п. Особенно интересна она тем, что часть включенных в нее треков более нигде не встречается, а материал просто отменный. Открывается диск тремя композициями замечательной группы Il Berlione с их первого релиза, изданного в 1990 году на аудиокассете. Первая – Frozen K. – представляет собой среднетемповую кентербери с гитарой, саксофоном и флейтой, следующая – политематичная Happy Birthday Japon почти на девять минут – еще одно кентербери, но намного более динамичное: с жесткой гитарой, басовым риффом, партиями сакса с восточной темой, репетативной фолковой флейтой, мягкими фоновыми клавишами и хлесткими ударными. Третья – энергичная Gokuraku no Majo с вокалом, где постоянно меняются темы и ритм, часто на первом плане сочный и быстрый бас, а к нему – примоченная гитара, играющий с ней иногда в унисон витиеватый сакс и барабанные синкопы. Следующая представленная на сборнике группа – Zypressen с двумя чемберными вещами из их единственного альбома: Tangent и Prelude, но они здесь в других версиях, причем первая из них звучит на минуту дольше альбомного варианта, обе просто великолепны. Третий коллектив – так и не добившаяся ни одного релиза команда Soft Weed Factor, одну композицию которой прежде можно было услышать на другом сборнике – A Slice Of Life, вышедшем в 1984 году. Здесь же записаны две других ее вещи. Одна из них дала название всему диску и тоже близка к кентербери: открывается она партиями баса и ударных, потом вступают жестко дистортнутая гитара, духовые и клавишные. Вторая – 11-минутная переменчивая и неспешная Lessons Of Happiness – еще интереснее, в ней сделан больший уклон в джаз, солирует в основном электрогитара, но не отстает и повизгивающий сакс, есть также синтезатор и ритм-секция. В качестве заключения использованы треки с сингла прекрасной прог-группы Lacrymosa, которые вошли в CD-переиздание ее дебютного альбома в качестве бонусов: насыщенная авангардная Gishin-Anki (Doubt) с массой инструментов, включая скрипки и флейты, и драматичная медленная Lacrymosa с ведущим фортепиано и женским голосом в симфоническом обрамлении, обе просто шикарны. Отличная подборка. Удивительно, что все эти проекты были такими скоротечными, и большинство музыкантов этих команд больше нигде не засветились.

_________________
Музыка подобна сновидению. � в то же время, в противоположность сновидению, она обладает большей конкретностью, чем любая явь. Ей под силу менять сон и явь местами. �ногда она и самого меня превращала в мою любимейшую мелодию.
Ю. Мисима, Золотой храм

Quasar - S/t (2023)

Одна из самых впечатляющих пластинок уже перевалившего за экватор года! Совершенно неизвестные молодые музыканты из Аргентины, явно фанатеющие от симфонического прогрессива 70-х и главным образом группы Yes. Даже обложка их дебютного альбома буквально кричит каждым изображением об обожании творчества Роджера Дина, а фирменный логотип играет цветами детища Джона Андерсона и Стива Хау. Длинные, испещренные соло и пируэтами конструкции с семидесятническим вайбом и типичной гитарой "под Yes" превалируют повсеместно. На первом 11-минутном эпике даже немного поют на испанском, напоминая в том числе старую добрую команду из Аргентины Espiritu, но впоследствии предпочитают вернуться к исключительно инструментальным полотнам. Кривые ритмы здесь смешиваются с типично йесовской позитивностью, однако с излишней солнечностью не перебирают, да и в андерсоновские вокальные рулады также не пускаются, что уже не раз губило не одного подобного эпигона. Поэтому слушается все это не так подражательно, как можно было подумать, - есть время заметить и качественно сочиненные мелодии, и великолепные взаимодействия гитариста и клавишника, который успешно комбинирует "муги", органы и фортепиано в воистину винтажных пропорциях. Удивительно, что альбом, судя по всему, выпущен только в цифре - ему самое место на большом и красивом виниле с мечтательными иллюстрациями и пышными конвертами. Ребята молодцы, пожелаем им не сгореть в современном котле модерновых музыкальных страстей. Highly recommended! Реально диск, которым я заслушивался последнюю неделю-другую - это о чем-то да говорит.

Psyche Bugyo (2012) Psychedelic Judgeman Comes, He Has The Cherry Blossom On The Shoulder. Будучи фанатом "золотой эры" рок-музыки, выдающийся японский басист Ацуси Цуяма (наиболее известный как сооснователь всех версий Acid Mothers Temple) решил собрать группу, которая играла бы музыку именно в стиле тех самых лет, с 1967 по 1974. В итоге организовалось трио с участием барабанщика Нани Сатосимы, который ранее принимал участие во многих проектах Макото Кавабаты, и владельца независимого лейбла Gyuune Cassette Кейдзо Сухары, который и прежде играл на басу в разных группах, сам же Цуяма взял на себя в этот раз роль гитариста, певца и, конечно, композитора. В одном из интервью музыканты рассказывали, что когда они впервые начинают репетировать новый материал, полностью все знает только лидер группы, а остальные двое во многом подстраиваются под его игру, а потом получившийся результат допиливают и в итоге записывают, при этом на концертах особо не отклоняются от финальной версии, несмотря на импровизации. Привлекаются и дополнительные музыканты – например, на дебютнике это Ниси Рёта за клавишами и Рёко Оно с флейтой и саксофоном. Несмотря на название группы (его можно перевести примерно, как "Психо-комиссар": бугё в Японии периода Эдо назывались высокопоставленные чиновники определенного типа) и их дебютного альбома, психоделия не доминирует в их стиле, хотя и является значимым его ингредиентом. На пластинке всего три трека длительностью 15, 34 и 16 минут. Первый из них с названием Ore no Abarenbo Shogun ("Мой сёгун-задира") сразу же обрушивает на слушателя мощную смесь авант-джаза, хэви-психоделии и брутал-прога с ярким, сочным и разнообразным саундом, где на полную катушку выкладываются гитары, клавишные, духовые, ударные и вокал – то грозный самурайский, то скэтовый. Временами напоминает Заппу, но музыканты нисколько его не копируют, а просто идут схожим путем. Центральная Psychedelic Judgeman Suite состоит из четырех частей, где первая часть представляет собой медитативную спейс-психоделию с сильным азиатским привкусом и небольшой долей хэви-прогрессива, а в структуре композиции есть что-то от пост-рока. Среди инструментов выделяется мощный винтажный хэммонд, буквально заливающий все свободное пространство и вместе с достаточно жесткой гитарой и увесистой ритм-секцией создающий напряженный и плотный звук. Вторая часть с сочетанием тяжелой электрической и звонкой акустической гитар напоминает Ghost, а в партиях с вокалом группа откровенно пародирует Pink Floyd, что потом переходит в третью часть – буйный и долгий гитарный джем. Последняя часть выделяется галопирующим ритмом, ведомым фанковым басом при поддержке синтезатора, электрогитары и ударных, но потом гитара выходит из общей связки и устраивает свою собственную игру с длинными психоделическими соло. Заключительный номер Son Of Mr. Livingwillow начинается, как флейтовый психо-прог, постепенно утяжеляется, без обиняков имитируя Jethro Tull, но с чисто японскими околоавангардными вставками, а потом тяжелая гитара, плотный хэммонд и грубый вокал как бы вытесняют флейту на задний план, откуда она возвращается уже в рамках общего бурного инструментального джема, поражающегося до конца трека. Очень классная работа!

_________________
Музыка подобна сновидению. � в то же время, в противоположность сновидению, она обладает большей конкретностью, чем любая явь. Ей под силу менять сон и явь местами. �ногда она и самого меня превращала в мою любимейшую мелодию.
Ю. Мисима, Золотой храм

Psyche Bugyo (2013) Genroku Passion Play. Второй лонгплей трио во главе с Ацуси Цуямой получился еще круче первого. В первую очередь, это трибьют Jethro Tull и одновременно сатира на их концептуальные альбомы – в названии прямое указание на A Passion Play, а оформление откровенно пародирует обложку Thick As A Brick с изображением вымышленной газеты, только здесь это Edo Times с темой номера про 47 японских воинов-ронинов XV века, которые "сфотографированы" в доспехах и имеют лица инопланетян, и другими приколами. Однако, если отвлечься от стеба и сатиры, то это реально крутой альбом современного флейтового психо-прога с элементами авангардного джаз-рока в духе Фрэнка Заппы и психоделическими джемами. В записи снова приняла участие замечательная Рёко Оно с флейтой и альт-саксофоном, а также Фумио Йошида (ex-Idiot O'Clock, Si-Folk) с аккордеоном, сам Цуяма играет не только на гитаре, но и на флейте и клавишных. Диск построен как единая сюита на 47 минут в четырех частях, каждая из которых еще состоит из нескольких фрагментов, включает интерлюдии и лейтмотивы – в общем, настоящее концепт-произведение. Первая часть начинается с меланхоличного трехминутного фрагмента, где играют японская бамбуковая флейта и акустическая гитара, потом начинают жутко рычать самураи и все превращается в бешеный электрогитарный психоделический джем в духе Acid Mothers Temple. Во второй части Ацуси Цуяма прикольно подражает Яну Андерсону с его "менестрельским" повествовательным вокалом (ведется рассказ про тех самых 47 ронинов) под акустику и флейту, и это, с одной стороны, для всех знакомых с творчеством Jethro Tull звучит, как смешная пародия с короткими глумливыми вставками в духе Заппы, но с другой, это действительно очень классная музыка. В третьей части чисто японская брутальная группа с рубящей ритм-секцией и динамичной гитарой (но без безумных перегрузов, как это бывает у японских психоделистов) исполняет музыку с ирландскими темами, включая жесточайший кавер на традиционную песню Téir Abhaile Riú (любителям кельтского фолка она может быть знакома по второму альбому Clannad), временами подключаются флейта и аккордеон. Звучит это очень круто. Между третьей и четвертой частями вставлен нарративный номер, сначала в виде типично запповского нарратива под разнообразные наигрыши фортепиано, ударных и баса, а потом переходит в театральные диалоги на японском с нарочитым интонированием. Последняя часть сперва звучит, как необычный стилевой микс джетроталловского фолк-прога, хэви-блюза и гранджа с почти гроулинговым вокалом, сохраняющим при этом андерсоновские интонации (! ), флейтой, саксом и тяжеленными риффами, а в финале переходит в убойный авант-джаз-рок с аллюзиями на крутейшие вещи Фрэнка Заппы первой половины 70-х. Альбом просто офигенный. Шедевр, не побоюсь этого слова.

_________________
Музыка подобна сновидению. � в то же время, в противоположность сновидению, она обладает большей конкретностью, чем любая явь. Ей под силу менять сон и явь местами. �ногда она и самого меня превращала в мою любимейшую мелодию.
Ю. Мисима, Золотой храм

нарративная ставка, это пародия на "the hare who has lost his spectacles" с Passion Play. даже интонации те же.

_________________
мои заметки на http://matty-groves.livejournal.com/

Caravela Escarlate - Rascunho (2016)

Первый инструментальный альбом этих прелестных современных бразильцев, порадовавших нас годом позже отменной пластинкой с одноименным названием. Здесь же они еще находились в мучительных поисках барабанщика, поэтому предстали перед нами в формате "клавишник-гитарист", так что этот диск несет в себе некоторую ауру легковесности и даже нью-эйджевости где-то. �нструментарий чисто винтажный с органами, клавесинами, меллотронами и электрогитарой, однако динамики отчаянно не хватает, особенно на второй половине альбома, которая посвящена абстрактным акустическим наигрышам и слабым позвякиваниям "муга" на заднем плане. Первая половина в этом отношении представляется более самобытной и звучит достаточно прогрессивно даже без полноценной ритм-секции. В целом, я бы отметил, это не затерявшаяся на прогрессивном небосклоне интерлюдия к их более позднему творчеству, которая скорее имеет необязательный характер, тем более что диск издавался только в форме CD-R. С барабанщиком, конечно, они звучат совсем по-другому. Для осторожного ознакомления.

Caravela Escarlate - III (2023)

Великолепный новый альбом Caravela Escarlate! На 100% погруженный даже не в эстетику британского арт-рока 70-х, а скорее итальянского прогрессива, что признают и сами музыканты. Видел в сети много сравнений с ELP, но они больше похожи на Le Orme или Latte e Miele. Во главу угла здесь поставлена не техническая изощренность музыкантов, а мелодизм, вокальная теплота и всеобщая грация, ну и португальская лирика звучит восхительно! Композиции неторопливы и как бы обволакивают слушателя, а клавишник выжимает максимум из органов, клавинетов, меллотронов, "мугов" и синтезаторов, приправляя немного "подводное" звучание вокала кентерберийским психоделическим флером. Не хуже их знакового второго альбома, а может, и лучше. Обложка по мотивам "�звержения Везувия" Уильяма Тернера также внушает шок и трепет. Две продолжительные инструменталки дают им возможность также продемонстрировать свои виртуозные навыки владения инструментами, не жертвуя композиционной продуманностью и чутьем к классным мелодиям. Одна из праймовых команд наших дней на ретропроговой сцене! Highly, highly recommended!

Osiris - Beyond Control: Live (1991)

Отличный концертник Osiris, записанный в 1991 году, но изданный только через 11 лет на лейбле Musea. Он представляет особый интерес из-за того, что примерно половина материала отсюда отсутствует на других пластинках команды, включая медли из на тот момент нереализованного диска Tales of the Divers, где группа собрала самые смачные моменты данного эпического произведения. По одной вещи взято с каждого альбома Osiris, включая новую убыстренную аранжировку популярного трека Fantasy с дебютника. Также есть изрядная доля новых композиций. Свои вещи группа предваряет объявлениями на английском, так что можно сделать вывод, что играла она скорее перед экспатами, на что намекает и название клуба - The Diplomat. Кстати, за свою историю команда ни разу не выступала на рубежом, несмотря на многочисленные предложения. В целом диск скорее для фанатов, чем для начинающих, однако сыгран знатно с гитарными экзерсисами Мухаммада ас-Садыки и многообразием синтезаторных проходов. Recommended!

Osiris - Visions from the Past (2007)

Бахрейнские мастера триумфально вернулись с новым альбомом после перерыва, продолжавшегося более 15 лет! Смесь арабских нарративов, флейтовых трелей и классического синтезаторного саунда Osiris. Новопришедший экспат Мартин Хьюз отлично играет на флейте, пожалуй, столько флейты на альбомах Osiris не было никогда. Чтения арабских поэм также вписываются идеально, хотя основой вокал на английском. Также они ни на йоту не утратили мелодичность, что вылилось в очень разнообразный диск - здесь и арабская идентичность, и англоязычный симфопроговый саунд, и даже неопроговые отблески из-за обилия синтезаторов. В целом это очень хороший альбом современного прогрессивного рока с отчетливой концептуальной направленностью. Сто лет его не слушал и удивился, что даже помню некоторые темы с него сейчас. Recommended!

Osiris - Take a Closer Look (2020)

Последний на сегодняшний день альбом бахрейнцев, показывающий, что они все еще живы и находятся в отличной форме. Большинство материала было сочинено еще в начале 1990-х, но переиграно сегодня. Некоторые песни мы уже слышали, например, на живом диске Beyond Control: Live (например, A Bird of Prey, Until We Meet). Присутствует и новый певец, который, кстати, мне понравился меньше всего из всех вокалистов Osiris - слишком сильно тянет их в AOR и вообще чрезмерно слащав, на мой вкус. �нструментарий, напротив, на удивление винтажный, с большим количеством органа "Хаммонд" по меркам Osiris - обычно они обходились мириадами восьмидесятнических синтов, есть кое-где и залихватская флейта, напоминающая своим звучанием позднего Яна Андерсона. Поют, как всегда, немного и музицируют в разы больше, особенно на 10-минутном эпике Take a Closer Look. Одним словом, альбомчик понравился. Очень ровная смесь из симфопрога и нео (отдельное "спасибо" вокалисту, однако он показывает свое нутро нечасто, ну и музыкантам хватает такта умело балансировать вокальные и инструментальные пируэты). Recommended!

downy (2013) Mudai. Группа из Токио, которая принципиально пишет свое название со строчной буквы, собралась в 2000 году и с самого начала выбрала для себя вариант перформансов с большим значением визуальной составляющей, так что в числе полноценных членов состава вошел VJ. Это не помешало им издавать аудио-альбомы, пользующиеся достаточным успехом сами по себе. В 2004 году, после издания четырех лонгплеев группа взяла паузу, которая закончилась только в 2013-м. В том году вышел их пятый диск со ставшим для группы традиционным названием Mudai (как и все предыдущие – оно переводится, как Untitled), а год спустя музыканты прекрасно отыграли этот материал на Fujirock Festival. Как правило, в качестве стиля команды указывается пост-рок, но на самом деле это не совсем так. Я бы скорее отнес это к миксу прогрессива (не в последнюю очередь по следам Genesis, но при этом не из нео-лагеря), пост-рока, мат-рока… Кроме того, в саунде есть следы пост-панка, альтернативы, сибуя-кеи и даже фанк-альтернативы типа Red Hot Chili Peppers. В любом случае, музыка группы достаточно интересна.

_________________
Музыка подобна сновидению. � в то же время, в противоположность сновидению, она обладает большей конкретностью, чем любая явь. Ей под силу менять сон и явь местами. �ногда она и самого меня превращала в мою любимейшую мелодию.
Ю. Мисима, Золотой храм

Alsciaukat (2022) A New Myth. Дебют новой группы гитариста Такаси Хаяси – в прошлом лидера прог-роковой команды Qui. Начав свою карьеру в качестве инструментальной группы сопровождения женского вокального прог-коллектива XOXO Extreme, они в конце концов превратились в самостоятельное образование и взяли название звезды в Созвездии Рыси. Помимо Хаяси, в группе его партнеры по Qui флейтист Кадзуо Йошида и басист Наоюки Сето, а также барабанщик из Taika Томоюку Танимото. Диск недлинный, чуть больше получаса, по стилю – инструментальный прогрессив. В качестве старта выбрана композиция Brachs, где доминирует тяжело пригруженная гитара, в противовес ей поставлены легкие клавиши и флейта плюс мрачноватый бас и невозмутимые барабаны. В треке Fireworks преобладают задумчивые акустические переборы, мягкая электрогитара, ностальгический тенор-сакс приглашенного Масато Накамуры и лиричная флейта в сопровождении неспешной ритм-секции. Следом - созерцательная и в то же время немного тревожная Reincarnation с флейтой в духе Яна Андерсона, что в общем-то для стиля игры Кадзуо Йошиды скорее исключение. Короткая, всего на две с половиной минуты, Trechs – больше фьюжн, где ведет угрюмо риффующая гитара с поддержкой баса и барабанов, но позже она сменяется на чисто звучащую, и тогда все приобретает более светлый оттенок. Далее – умиротворенная и мечтательная Libra с акустикой, флейтой и гилмороподобной электрогитарой, а в финале звучит среднетемповая Rasalhague на восемь с половиной минут с ведущей флейтой, небольшими вставками клавиш и гитарой, сначала задвинутой на второй план, но потом выдвинутой в более жестком варианте звучания. Очень недурно, надо сказать.

_________________
Музыка подобна сновидению. � в то же время, в противоположность сновидению, она обладает большей конкретностью, чем любая явь. Ей под силу менять сон и явь местами. �ногда она и самого меня превращала в мою любимейшую мелодию.
Ю. Мисима, Золотой храм

Tadashi Goto (2005) Soundscape. Дебютный альбом молодого (на тот момент ему не исполнилось и тридцати) японского композитора и клавишника, записанный им во время обучения в Австралии. Практически полностью основным стилем альбома является инструментальный синтезаторный прогрессив с композициями, преимущественно напоминающими ELP, но по сравнению с легендарным трио в более электронной форме, что несомненный минус. Особенно портят впечатление электробарабаны в открывающей диск Moratorium, треках Silence Without Humanity и The Uncertainty Of Life, хотя сами эти номера неплохи. Но в целом синтезатор все-таки по-настоящему хорош, в том числе имитацией гитары или фортепиано. При этом, например, Loveless скорее похожа на Camel, частично то же можно сказать и о первой части 11-минутной заглавной композиции, представляющей собой сюиту из шести частей (вторая – чистый Эмерсон). Кстати, в ней даже барабаны сделаны удачно. Выделяется на общей фоне вторая половина Swan Song, названная Zero Hour и полностью сыгранная на фортепиано без какого-либо дополнительного сопровождения. Стоит послушать.

_________________
Музыка подобна сновидению. � в то же время, в противоположность сновидению, она обладает большей конкретностью, чем любая явь. Ей под силу менять сон и явь местами. �ногда она и самого меня превращала в мою любимейшую мелодию.
Ю. Мисима, Золотой храм

ACB(K) (2022) Siblings. Полноформатный дебют группы, организованной в 2016 году ветераном японского прог-рока гитаристом Такаси Арамаки (Outer Limits, Pazzo Fanfano di Musica, группа Рё Окумото и, позже, Shusei's Project). После создания команде никак не могли придумать имя и временно назвали ее Allan Chan Band и добавили в скобках иероглиф "kari" ("временно"). А потом просто сократили Allan Chan Band (Kari) до ACB(K). В состав вошли также вокалистка Мика Цукимото (Marge Litch и Nayuta Keikaku), барабанщик Кацунори Такахаси (Minoke?) и басист Кен Моривакэ. Два первых номера представляют собой классический прогрессив с ведущим хэммондом, мужским и женским вокалами (причем мужской временами напоминает Грега Лейка), акустическими и электрическими гитарами и плотно звучащей ритм-секцией. Основной стиль на базе King Crimson и ELP, можно вспомнить еще японские команды типа Ars Nova и Gerard. Хотя, например, мрачная первая часть 37-минутной заглавной сюиты (названная c.1C. Amphitheaterum Flavium) скорее в духе скорее Camel с напряженными хорами. �дущая следом c.5C. Koto no Katari Kotomo Ko wo Ba, наоборот, начинается как хрустально звучащая пьеса с акустическими переборами и электропиано, но с подключением баса и барабанов несколько обрастает мускулатурой и одновременно явственным японским привкусом. Тетья часть – c.9C. Beachy Head – камерный номер с вокальным дуэтом в сопровождении фортепиано, к которым позднее добавляются лишь шелестящие ударные и струнный квартет. Четвертая 20C. Noble People And Shining Fame по стилю ближе к Yes со скрипкой приглашенного Мики Фудзимото (ex-Fantasmagoria), типично уэйкмановским синтезатором и акцентированным басом. Последняя часть 21C. Alice, Bob And Charlie в духе начала альбома, но уж очень помпезная. Суммарно же весьма достойно, любителям олд-скульного прогрессива стоит обратить пристальное внимание.

_________________
Музыка подобна сновидению. � в то же время, в противоположность сновидению, она обладает большей конкретностью, чем любая явь. Ей под силу менять сон и явь местами. �ногда она и самого меня превращала в мою любимейшую мелодию.
Ю. Мисима, Золотой храм